Das Folgende ist ein Auszug aus einem Interview mit Leia Pellot von NYUs Fashion In/Action

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Leia Pellot:

Zunächst möchte ich Ihnen dafür danken, dass Sie sich bereit erklärt haben, Ihre Arbeit auszuleihen und unser Hauptredner beim Fashion In/Action Symposium zu sein. Ihre Split-Shot-Maske war das erste Ihrer Designs, das ich auf Instagram entdeckte, und ich war beeindruckt von der Schönheit Ihrer Arbeit. Ich war auch beeindruckt von der Aufmerksamkeit und Sorgfalt, mit der Sie jedes Stück von Hand herstellen. Pendleton®-Stoff hat eine interessante Geschichte als nicht-indigenes Unternehmen, dessen Produkte zu einem großen Teil der indigenen Kultur geworden sind.  

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Sie verwenden viele Pendleton®-Stoffe in Ihren Designs, einschließlich der Split Shot-Maske; Wie spricht diese Geschichte Sie kreativ an? Wie soll es die Menschen ansprechen, die Ihre Arbeit kaufen und sich für sie interessieren?

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Korina Emmerich:

Vielen Dank, dass Sie mich eingeladen und meine Arbeit in die Ausstellung aufgenommen haben. Es war mir eine Ehre, mit Ihnen allen an dieser Initiative zu arbeiten und die Aufmerksamkeit auf wichtige Themen durch die Linse der Kleidung zu lenken.

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Meine Arbeit ist eine Verschmelzung gelebter Erfahrungen sowie Verwurzelung in meiner eigenen Geschichte und schöpft aus meinem Hintergrund in der bildenden Kunst. Meine Verwendung von Pendleton®-Stoffen ist zwar neueren Datums, aber inzwischen zu einem Eckpfeiler des EMME Studio-Visuals geworden. Als ich in Oregon aufwuchs, waren Decken von Pendleton® allgegenwärtig. Wir hatten sie überall in meinem Haus – manche geschenkt, manche durch Powwow-Verlosungen gewonnen. Obwohl das Unternehmen selbst nicht in indigenem Besitz ist, sind die Decken zu einer Art pan-indigenem Kulturindikator geworden. Sie sind im Powwow-Circuit, im Haus deiner Tante, weit verbreitet und werden oft innerhalb der Gemeinschaft geteilt, verschenkt oder gehandelt. Meine erste Pendleton®-Decke wurde mir nach dem Abitur geschenkt und liegt bis heute auf meiner Couch.

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Die Pendleton Woolen Mill wurde ursprünglich 1895 in Pendleton, Oregon, eröffnet. Die Bishops, eine weiße Siedlerfamilie, webten Decken und Roben, die von einheimischen Handelsdecken inspiriert waren, und sahen einen Markt darin, diese Decken herzustellen und sie an benachbarte Stämme zu verkaufen. Die Zusammenarbeit der Fabrik mit indigenen Designs, erfahrenen Webern und ihrer Unterstützung lokaler Wollhirten seit Generationen hat ihren 150-jährigen Erfolg gefestigt. Es sollte auch beachtet werden, dass das Jacquard-Webhandwerk selbst direkt von indigenen Nationen in Oregon übernommen und zur Massenproduktion und zum Erwerb von Kapital aus denselben Nachbarländern verwendet wurde.

Heute sind die Decken und Designs zum Synonym für die visuelle Identität der Ureinwohner geworden. Und seine Geschichte ist nicht unumstritten. Während sie eine Art symbiotische Beziehung pflegen, haben viele indigene Kreative die Aufmerksamkeit auf die oberflächliche kulturelle Aneignung des Unternehmens gelenkt, indem sie Symbole, Kunst und Ideen von indigenen Völkern ohne sofortige Anerkennung oder Entschädigung nahmen. Indigene Völker, die sich dafür entscheiden, Pendletons pan-indigene Kulturindikatoren zu verwenden, bewegen sich auf einem schmalen Grat zwischen Repräsentation und Aneignung. Ich möchte nicht, dass dieses Gespräch abgetan wird, denn es ist etwas, das ich täglich in meiner eigenen Arbeit auspacke.

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Erst in den 90er Jahren begann Pendleton damit, indigene Kreative für Partnerschaften einzustellen. Und sie haben seitdem Initiativen zur Unterstützung indigener Gemeinschaften, Designer und Teilgewinne umgesetzt, insbesondere für den American Indian College Fund und das National Museum of the American Indian.

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Es bleibt also die Frage, warum ich mich persönlich für Pendleton-Stoffe in meinem Design entscheide? Da wir beobachtet haben, wie nicht einheimische Marken von Lindsey Thornburg bis Opening Ceremony von der Verwendung unserer traditionellen Arbeit profitieren, ob inspiriert oder nicht, gibt es ein Gefühl der Rückgewinnung, wenn man ein indigener Designer ist, der mit diesen immer noch so weit verbreiteten Stoffen arbeitet innerhalb unserer Gemeinden. Ich habe die Möglichkeit, Stücke für alle Menschen zu schaffen. Wir befinden uns in einer Zeit, in der so viele Verbraucher fragen: „Kann ich das als Nicht-Einheimische tragen?“ Die klare Antwort, die wir geben, ist JA, weil das Design nicht in zeremoniellen Praktiken oder Traditionen verwurzelt ist. Wenn es so wäre, würde ich es dir nicht verkaufen. Ich würde es niemandem verkaufen. Ich würde meine Traditionen nicht für Kapital verkaufen.

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Auch als Kind des pazifischen Nordwestens ist es ein Gefühl des Stolzes, mit diesen Materialien zu arbeiten, die in meinem Heimatstaat von lokalen Wollhirten handgewebt werden. Das Unternehmen engagiert sich für nachhaltige und erneuerbare Praktiken und erkennt die inhärente Zirkularität seines Produkts an. Etwas, das EMME Studio sehr wichtig ist.

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